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Kurt Bullend ES

Kurt Bullend

BIOGRAFÍA / ESTAMBUL, 1959

Kurt Bullend se graduó por la Facultad de Economía de la Universidad de Marmara.

A pesar de ser graduado en economía, siempre se ha dedicado a la pintura. Las figuras femeninas ocupan un primer plano en sus obras, realizadas primero con carbón vegetal y a continuación con pintura al óleo. Fue después de entrar en contacto con el arte hiperrealista cuando empezó a desarrollar su obra en esta dirección, trabajando en estudios de diferentes artistas, tanto en Turquía como en el extranjero. Durante un año y medio realizó proyectos de investigación sobre el hiperrealismo en París y vivió dos años en Moscú.

El tema principal de las obras de Bullend es la filosofía existencial. Haciendo uso del hiperrealismo como forma de expresión, transmite temas espirituales como el ego y la inocencia. Bullend cuestiona la vida urbana moderna que percibimos como realidad, mostrándonos que la realidad que se nos enseña es un yo falso acostumbrado a las reglas impuestas por la sociedad. Llama nuestra atención sobre el yo inocente que existe en cualquier ser espiritual desde su nacimiento.

2015Inocencia

2015
Inocencia

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2015
2015Respiración

2015
Respiración

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2015
2016Me quiero

2016
Me quiero

óleo sobre lienzo
157 x 210 cm
2016
2016Os perdono

2016
Os perdono

óleo sobre lienzo
180 x 160 cm
2016
2016El viaje a casa

2016
El viaje a casa

óleo sobre lienzo
180 x 160 cm
2016
2016Ésta soy yo

2016
Ésta soy yo

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2016
2017¡Habla claro!

2017
¡Habla claro!

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2017
2017El otro

2017
El otro

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2017
2017Niño

2017
Niño

óleo sobre lienzo
175 x 175 cm
2017
2016La palabra es mágica - I

2016
La palabra es mágica - I

óleo sobre lienzo
30 x 40 cm
2016
2016La palabra es mágica - IV

2016
La palabra es mágica - IV

óleo sobre lienzo
30 x 40 cm
2016
2016La palabra es mágica - V

2016
La palabra es mágica - V

óleo sobre lienzo
40 x 30 cm
2016

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Ian James Carr ES

Ian James Carr

BIOGRAFÍA / MIDDLETOWN, CONNECTICUT, EE.UU., 1987

Ian James Carr se graduó por la Academia Gerrit Rietveld de Amsterdam en 2011. “Broken Language”, comisariada por Daine Coppola en REVERSE Space (Nueva York) en 2014, “Future Origins”, también comisariada por Daine Coppola e inaugurada en la Galería Rene Mele (Nueva York) en 2015 y “I’ve Lost Control Again”, comisariada por Tracy McKenna en la Galería Greenwich Flinn en 2016, son sólo algunas de sus exposiciones individuales. Muchas de sus obras se encuentran en colecciones de Ámsterdam y Nueva York.

El trabajo de Carr parte de la relación que establecen sus materiales entre sí, así como del vínculo que existe entre éstos y los materiales utilizados en nuestra vida cotidiana. El acero y la madera son empleados con mayor frecuencia en sus obras porque son los materiales principales de nuestros hogares e infraestructuras. Las formas que adoptan sus esculturas surgen espontáneamente del proceso de elaboración de cada pieza, y los materiales y herramientas a los que tiene acceso dictan en gran medida el resultado de cada obra. Para Carr esta forma de trabajo es apasionante porque considera que es mejor no planear o esbozar diseños antes de hacer una escultura, ya que siente que planificar tiene un efecto negativo en el aspecto creativo de cualquier cometido artístico. Carr deja que los materiales y las formas con las que trabaja tengan el control, permitiendo que las habilidades y el potencial de éstos fluyan libremente, mientras que él actúa simplemente como un enlace entre la materia prima y la obra terminada. A la hora de decidir cuál es el camino a seguir durante el proceso de creación de una escultura, se necesita tener cierto nivel de sensibilidad hacia los materiales y los juegos de contraste que existen entre ellos. Carr ha aprendido a combinarlos observando rigurosamente, tanto fuera como dentro del estudio, cómo encajan los distintos materiales física y conceptualmente. En resumen, sus obras tratan sobre las relaciones espaciales y materiales de cada pieza, al tiempo que permanecen conscientes y abiertas al diálogo que nace a raíz de las posibles conexiones que el espectador puede hacer entre las esculturas y los objetos o espacios cotidianos.

2016Beacon

2016
Beacon

acero, madera y pintura al látex
152 x 35 x 25 cm
2017
2017Sin título

2017
Sin título

acero, pintura en aerosol
75 x 30 x 20 cm
2017
2017Sin título

2017
Sin título

acero, pintura en aerosol
70 x 12 x 22 cm
2017
2017Sin título

2017
Sin título

acero, pintura en aerosol
75 x 15 x 25 cm
2017
2017Gladio

2017
Gladio

acero, madera, pintura
155 x 40 x 60 cm
2017
2016-2017Sin título

2016-2017
Sin título

acero, madera
195 x 66 x 53 cm
2016-2017
2016Sin título

2016
Sin título

acero, madera y pintura al látex
116 x 28 x 22 cm
2016
2016Sin título

2016
Sin título

acero, madera, pintura al látex y tiza
114 x 27 x 20.5 cm
2016
2015-2016Sin título

2015-2016
Sin título

acero, madera, pintura al látex y tiza
124.5 x 33 x 40.5 cm
2015-2016
2015Sin título

2015
Sin título

acero, madera, pintura al látex y tiza
127 x 23 x 46 cm
2015
2015Sin título

2015
Sin título

acero, madera y pintura al látex
118 x 27 x 30.5 cm
2015
2015Sin título

2015
Sin título

acero, madera y pintura al látex
117 x 26.5 x 12 cm
2015

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Hasan Cem Araptarli ES

Hasan Cem Araptarli

BIOGRAFÍA / ESTAMBUL, 1975

Dedicado a la vida empresarial durante veinticinco años, Hasan Cem Araptarlı comenzó a dedicarse profesionalmente a la fotografía en el 2014. Su libro titulado “Water World”, un documental sobre las comunidades que viven en diferentes zonas de Myanmar, Camboya y Malasia, fue publicado en 2016. Cinco de las fotografías recogidas en este libro fueron galardonadas con “Mención de Honor” en los International Photography Awards 2016, con 17.032 participantes de 162 países; con el premio “Gold Star” en los Neutral Density Photography Awards y con el premio “The Best of The Best” de American Photography Awards 2016.

Para Araptarlı, la fotografía es una herramienta de investigación y de expresión personal. A través de ella explora los diversos sentimientos derivados del sistema propio del mundo moderno, como la alienación, la soledad, la felicidad o la libertad. En sus propias palabras, mediante la fotografía Araptarlı toca a las personas. Por esa razón, sus obras son interesantes no sólo por su carácter documental, sino también por las sensaciones y los sentimientos que reflejan, propios del mundo del arte. Al crear sus obras, el artista selecciona todo lo que pueda ofrecernos un contraste, por lo que fotografía lugares y personas que se alejan de los estilos de vida adoptados por la mayoría del mundo. A veces, esta idea queda recogida y expresada en las fotografías de Araptarlı por medio del contraste visual que ofrecen sus composiciones. Sus fotografías son testimonios que evidencian la existencia de otro mundo. Mientras exhibe toda esta diversidad, invita al público a reflexionar sobre su propia vida. ¿Es la vida en realidad tal como la conocemos?

2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
*American Photography Awards 2016: premio ‘The Best of the Best’
*Neutral Density Photography Awards: 1st - Gold Star Award
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
*International Photography Awards (IPA) 2016, Honorable Mention
*Neutral Density Photography Awards: 1st - Gold Star Award
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
*Neutral Density Photography Awards: 1st - Gold Star Award
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
*Neutral Density Photography Awards: 1st - Gold Star Award
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
*Neutral Density Photography Awards: 1st - Gold Star Award
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
2016Sin título, Semporna

2016
Sin título, Semporna

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Semporna, 2016
2016Sin título, Myanmar

2016
Sin título, Myanmar

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
Myanmar, 2016
2016Sin título

2016
Sin título

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
2016
2016Sin título

2016
Sin título

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
2016
2016Sin título

2016
Sin título

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
2016
2016Sin título

2016
Sin título

fotografía digital
ediciones en diferentes tamaños
2016

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Gunes Cinar ES

Gunes Cinar

BIOGRAFÍA / ESTAMBUL, 1980

Güneş Çınar se graduó en Bellas Artes por el Departamento de Escultura de la Universidad de Mimar Sinan en 2002, donde también completó sus estudios de máster y de doctorado en escultura. Además de haber llevado a cabo varias exposiciones individuales, Çınar ha participado en numerosas exposiciones colectivas, tanto nacionales como internacionales.

Güneş Çınar es conocida por sus esculturas y relieves de madera con las que cuestiona la modernidad, la vida de la gente moderna y la ciudad moderna. Sueños, pesadillas, cuentos y fragmentos de la ciudad son los temas principales que constituyen el origen de las obras de Çınar. La artista nos invita a reflexionar sobre las nociones de ciudad y ciudadano; la estructura confusa, jerárquica y compleja de las metrópolis y los temores, las angustias y las paradojas de la vida urbana. Alimentándose de toda esta tensión, utiliza las siluetas de la ciudad como herramienta narrativa que sirve de punto de partida en todas sus obras. Çınar crea un estilo expresivo articulando los problemas propios de nuestro tiempo con un lenguaje mitológico.

2016Sin título

2016
Sin título

madera
50 x 50 x 20 cm
2016
2015Gabinete de Curiosidades

2015
Gabinete de Curiosidades

instalación
170 x 100 x 36 cm
2015
2014Sin título

2014
Sin título

papel
100 x 200 cm
2014
2014Invasión

2014
Invasión

papel, técnica mixta
115 x 115 x 250 cm
2014
2013Detritos

2013
Detritos

madera
400 x 150 cm
2013
2013Centinela

2013
Centinela

madera
120 x 103 x 34 cm
2013
2012Uróboros

2012
Uróboros

madera
Ø 110 cm
2012
2011Panoroma

2011
Panoroma

madera
Ø 165 cm
2011
2010Guardias

2010
Guardias

madera
85 x 110 x 60 cm
2010
2010Pesadilla

2010
Pesadilla

madera
94 x 100 x 6 cm
2010
2010Sin título

2010
Sin título

instalación
110 x 85 x 35 cm
2010
2008Ciudad Amarilla

2008
Ciudad Amarilla

madera
165 x 85 cm
2008

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Gulce Yelken ES

Gulce Yelken

BIOGRAFÍA / ESMİRNA, 1981

Gülce Yelken nació en Esmirna en 1981. Se graduó por el departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Dokuz Eylül en 2010. Ese mismo año empezó un máster en la misma Universidad, y lo completó en el 2015. Actualmente vive y trabaja en Izmir, mejorando continuamente su formación académica y artística a traves de la participación en diferentes talleres, conferencias y exposiciones de escultura.

A la hora de crear sus obras, Yelken escoge tanto materiales contemporáneos como tradicionales. Utiliza al mismo tiempo productos hechos por el hombre, como espejos u hormigón, y materiales naturales como la madera o el mármol. Según Yelken, la escultura esconde en sí misma mucho más que el simple proceso de transformación de los materiales que la conforman. Los materiales están vivos y acarrean consigo su propia experiencia, que acaba sumándose al proceso de creación de la escultura. Partiendo de esta idea, Yelken muestra en sus esculturas las diferentes etapas que los materiales experimentan durante su proceso de transformación. De esta manera, se enfatiza la vida anterior del material así como su proceso de cambio en manos del artista. El sonido es uno de los elementos principales de sus obras. Durante la creación de éstas, Yelken presta atención a la voz que proviene del material y al diálogo que se entabla entre éste y la propia escultura. Este sonido es tanto una parte de la relación establecida con la escultura, como una nueva forma de arte. El sonido se convertiría en fuente de inspiración para la serie de esculturas que Yelken llama “Forma de sonido”, y al mismo tiempo, daría pie a la creación de una instalación artística en la que el sonido reforzaba el diálogo entre la escultura y el espectador.

2016Sin título 4

2016
Sin título 4

escultura - mármol rosa
40 x 36 x 10 cm
2016
2016Sin título 5

2016
Sin título 5

escultura - mármol, metal, rama de árbol
40 x 30 x 29 cm
2016
2016S.F-4

2016
S.F-4

escultura - metal
55 x 53 x 11 cm
2016
2016S.F-6

2016
S.F-6

escultura - metal, raíz de árbol
50 x 50 x 20 cm
2016
2016S.F-5

2016
S.F-5

escultura - metal
55 x 33 x 11 cm
2016
2016S.F-2

2016
S.F-2

escultura - metal, rama de árbol
47 x 29 x 10 cm
2016
2016S.F-3

2016
S.F-3

escultura - metal
52 x 24 x 11 cm
2016
2015Sin título 3

2015
Sin título 3

escultura - mármol de Marmara
141 x 24 x 30 cm
2015
2010Equilibrio

2010
Equilibrio

escultura - madera de pino
165 x 78 x 24 cm
2010
2010Sin título 2

2010
Sin título 2

escultura - granito, rama de árbol
70 x 50 x 15 cm
2010
2009Sin título 1

2009
Sin título 1

escultura - madera de tilo
70 x 50 x 15 cm
2009
2008Aguja

2008
Aguja

escultura - mármol, rama de árbol
70 x 64 x 24 cm
2008

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